Cómo el director de fotografía de 'The Lighthouse' filmó una película en blanco y negro "transportadora"
Para capturar el temor claustrofóbico del thriller de Robert Eggers, el Director de Fotografía de Jarin Blaschke recurrió a películas raras y algunos lentes "fuera del menú".
Desde 1968, cuando la Academia combinó la cinematografía en blanco y negro y en color en una categoría, solo dos películas en blanco y negro, Schindler's List de 1994 y Roma del año pasado, ganaron el Oscar (otorgado a Janusz Kaminski y Alfonso Cuarón, respectivamente ), y solo unos pocos consiguieron nominaciones en la última década, incluyendo The White Ribbon de 2009, The Artist en 2011 y Cold War del año pasado. El thriller psicológico de Robert Eggers, The Lighthouse, ahora se encuentra en la conversación gracias al duro y evocador trabajo del colaborador habitual de Eggers, Jarin Blaschke. Los dos trabajaron juntos en dos cortos y dos largometrajes, incluida la película de terror de 2015 The Witch.
Localizado en Cabo Forchu en Nueva Escocia, el lanzamiento de A24 sigue a dos fareros en la década de 1890: Willem Dafoe como Thomas Wake y Robert Pattinson como Ephraim Winslow, quienes luchan contra los elementos y, eventualmente, se enfrentan en una isla a medida que se acerca una tormenta.
Si bien el entorno aislado de la película y las caracterizaciones íntimas contribuyen en gran medida a crear una sensación generalizada de temor claustrofóbico, Blaschke dice que filmar en blanco y negro les ofreció a él y a Eggers una oportunidad para crear una experiencia inmersiva para transportar al público a un tiempo anterior, quizás más elemental. "Fotográficamente, yo también quería ser transportador", dice. "Eso fue para crear una sensación como de la fotografía anterior, más antigua, no contemporánea en blanco y negro".
Para lograr el aspecto y la textura vintage de la película, Blaschke eligió rodar con la película Kodak Double-X 35mm raramente utilizada para capturar una "firma única que no pueda obtenerse de otra manera".
Pero llevar a los espectadores a otro tiempo requirió más que solo material de película altamente específico. "También hice algunos filtros personalizados para emular las películas que ya no existen, que dejaron de producirse en los años 20", dice. "Fue para llevarte al pasado".
El Director de Fotografía también visitó Panavision y pidió algo "fuera del menú". Ahí, encontró lentes Bausch & Lomb Baltar originales, que fueron diseñados en la década de 1930. "También [encontré] una lente de 1905 que usamos para algunas tomas, para algunas secuencias intensificadas con muchas distorsiones", dice Blaschke.
Cuando se le pregunta sobre una secuencia favorita, señala que está particularmente orgulloso de una escena en la que Winslow desciende sobre un Wake dormido para arrebatar un libro de registro que descansa sobre su pecho. Luego alcanza las llaves de la linterna de Wake antes de sacar su cuchillo, que apunta directamente a la garganta de Wake.
"Fue muy difícil no imaginar esta escena como una serie de primeros planos estáticos que se entrecruzan entre la cara de Pattinson, un POV de cada detalle que codicia, su mano se extiende y luego con el cuchillo", admite Blaschke, y agrega que en su lugar decidió que se coloque la cámara al otro lado de la acción, colocando entre los objetivos magnificados de la atención de Winslow en primer plano mientras la mano de Winslow permanece en el cuadro como el "intérprete". Esto eliminó la necesidad de cortes en la cara de Pattinson mientras aún conectaba sus puntos de interés.
"Los movimientos decisivos de la cámara aún indican miradas de su ojo, a pesar de que estamos completamente en el lado 'equivocados' para hacerlo", explica Blaschke. "Simultáneamente, también podemos experimentar esto como Thomas Wake, y todo esto nos está pasando a nosotros. Y, como estamos de este lado, nos posiciona para inclinarnos finalmente y formar un primer plano medio de la cara de Pattinson al final de la toma". En este punto, hay un corte en un primer plano extremo de la apertura de los ojos de Wake, que el Director de Fotografía diseñó para "un mayor impacto debido a la escasez de cortes anteriores".
La decisión de mover la cámara en lugar de confiar en las ediciones subrayó el compromiso de Blaschke de trabajar económicamente tanto como sea posible durante la sesión de 34 días. "Cuantos más tomas tengas, menos significa cada toma", dice. "Consecuentemente, e igualmente importante: cada corte en la película después también pierde su poder".
Fuente | Traducción allyouneedisrob
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